Nedgangen til moteuken, forklart
I årevis har folk lurt på om det i det hele tatt er verdt å spare.
Denne historien er en del av en gruppe historier som heter 
Moteuken er død. har du ikke hørt? Det var døende , og så var det dø litt mer, og holdt på å dø , og nå den er død .
Eller er det? Kanskje moteuken er det kommer tilbake fra de døde , eller kanskje moteuken var egentlig aldri død i det hele tatt. Til tross for at moteuken fortsatt eksisterer veldig mye, har folk kranglet om dens død i årevis.
Konseptet med moteuke – som i USA vanligvis refererer til New York Fashion Week som finner sted i februar og igjen i september – er relativt enkelt: designere som presenterer kolleksjoner for den påfølgende sesongen for et rom fullt av jevnaldrende i moteindustri.
Opprinnelsen kan spores tilbake mer enn 75 år, men i løpet av det siste tiåret har NYFW blitt noe annet. Avhengig av hvem du spør, har det blitt en oppblåst og utdatert messe for en bransje som har utviklet seg utover den, eller en parade av påvirke narsissisme , eller et overkommersialisert slag der ingen har noen originale ideer lenger. Det er mulig det toppet seg på slutten av 1990-tallet, etter Sex and the City brakte glamouren fra motefester i New York inn i stuer over hele landet, eller kanskje det var på midten av 2000-tallet, da mote ble en stadig mer vanlig forretningsforetak for kjendiser , rett før resesjonen ødela økonomien.
Likevel, hver gang moteuken ruller rundt nå, må de samme debattene føres: Bør moteuken fortsatt eksistere? Hvem er det til? Disse spørsmålene handler egentlig ikke om festene er morsomme eller trendene er kule. Det handler om strukturen i moteuken er relevant for måten folk kjøper klær på i dag.
Historien til New York Fashion Week
Selv om dens opprinnelse ligger i presseuker som fant sted i New York hver høst og vår fra 1943, der redaktører strømmet til flotte hoteller for å se rullebanepresentasjoner av designeres nyeste kolleksjoner, er moteuken vi kjenner i dag et relativt ungt fenomen. Fra 1940- til 80-tallet etablerte New York, Paris, London og Milano seg som de fire store, de største og viktigste motesentrene, hver med sin egen serie med show. Konseptet med et dedikert ukelangt arrangement for en by for å promotere sin moteindustri har nå spres globalt .
I lang tid var moteukene fornuftige. Runway-show ga redaktører og kjøpere en sjanse til å forhåndsvise samlingene og større trender som ville treffe klesstativ om seks måneder, noe som ga tid for magasiner til å planlegge innhold og for varehus og butikker til å ta forretningsbeslutninger langt i forveien.
New York Fashion Week slik den lever nå begynte ikke offisielt før i 1993, da Fern Mallis, den gang administrerende direktøren for Council of Fashion Designers of America, forsøkte å sentralisere den spredte prosessen med redaktører og kjøpere som løp rundt til forskjellige rullebaneshow. over byen.
Organiserte show satte amerikanske designere på kartet og endret motelandskapet for alltid, Mallis fortalte Racked i 2015 . Før det var det 50 show på 50 lokasjoner. Alle gjorde sine egne ting uten å forstå hvilket mareritt det var hvis det var din sak å komme deg fra det ene showet til det andre.
I 1994 ble suksessen til amerikanske designere som Calvin Klein and the kjendiser showene deres tiltrakk seg (en veldig ung Leonardo DiCaprio, for eksempel) etablerte NYFW som et must-cover-arrangement.
I 16 år fant showene, som de ble kalt, sted inne i telt satt opp i Manhattans Bryant Park. Dette frigjorde ikke bare deltakerne fra febrilsk å løpe fra sted til sted, men betydde også at designere ikke lenger var ansvarlige for byrden med å produsere et moteshow fra bunnen av - plassen, lyset, lyden og sikkerheten ble håndtert av et produksjonsfirma. Det er ikke dermed sagt at det var billig: I 2007, et show på Bryant Park koster minst $50 000 for designere, ifølge ett estimat.
I 2010 hadde begivenheten gått utover rekkevidden til den relativt lille parken - på høyden, NYFW inkluderte nesten 300 show - og etter år med uenigheter mellom moteindustrien og Bryant Parks ledelse på grunn av utvidelsen, ble arrangementet flyttet til telt på torgene i Lincoln Center. Det nye stedet, selv om det er litt lenger unna New Yorks Garment District, hvor mange designere holder studioene sine, hadde 30 prosent mer plass og var utstyrt med mye bedre teknologi for å oppfylle behovene til den stadig mer digitale begivenheten. Et år senere begynte designere regelmessig å live-streame showene sine på YouTube, slik at selv de uten invitasjon kunne stille inn.
I mellomtiden eksploderte en annen bransje langt utenfor teltveggene: personlig stilblogging. I årene før Instagram, en snert av velkledde (og ofte velstående ) motefantaster over hele verden delte bilder av antrekkene sine på nettet sammen med blogginnlegg fra livet. Mellom 2004 og 2008 liker folk Bryanboy og Tavi Gevinson begynte å bygge merkevarer med sære klesplagg og dagligdagse skrivestemmer.
Disse tidlige influencerne, som fikk berømmelse allerede før begrepet ble et bona fide karrierevalg, plantet frøene til en moteindustri. De var outsidere, og truet det tradisjonelle systemet der magasinredaktører hadde nesten absolutt makt når det gjaldt å lede opinionen om motetrender. De hadde en skarp bevissthet om hvordan teknologi kunne hjelpe dem å tiltrekke seg oppmerksomheten til hundretusenvis av likesinnede motefans som hadde blitt stengt ute fra samtalen, kritiker Robin Givhan skrev i 2014 .
Og mens moteindustrien til slutt omfavnet dem - oppkalte Marc Jacobs en veske etter Bryanboy i 2008, og magasinet Lucky satte tre digitale influencere på forsiden i 2015 — disse delene av tidligere uhørte utstillingsgjengere ble ofte beskyldt for å innlede den såkalte death of fashion week.
Til en viss grad hadde kritikerne deres et poeng. Disse mengdene av velkledde digitale innfødte var dyktige til å finne gatestilfotografer som ventet utenfor rullebaneshow, og skapte dermed et skue utenfor teltene som uten tvil var større enn det som foregikk i dem. Og selv da de satte seg ned, fulgte ikke disse ofte utskjelte nybegynnere nødvendigvis de gamle skolens regler; nemlig å ikke ta bilder under show. Alle som fulgte dem på nettet, hadde i hovedsak den samme tilgangen de hadde.
I 2015 ble showene startet opp fra Lincoln Center, i form av et søksmål som bestemte at plassen der NYFW ble holdt ikke kunne brukes til kommersielle formål. Men allerede før oppgjøret begynte mange designere allerede å decampere til forskjellige andre arrangementsrom rundt om i byen. De største merkene, som Alexander Wang, foretrakk å leie ut enorme varehus for å sette på moteshow som forvandlet seg til raser hele natten, mens up-and-coming designere eksperimenterte med intime showroom-presentasjoner som føltes mer som kunståpninger enn moteshow. Sistnevnte strategi var også en god måte å unngå de gigantiske kostnadene ved å arrangere selv det mest grunnleggende rullebaneshowet, som tilbake i 2014 var beregnet til å koste rundt 200 000 dollar .
Selv om New York Fashion Week til slutt flyttet til to separate begivenhetsrom, hadde mange av markisdesignerne bestemt seg for ikke bare å arrangere showene deres på egen hånd, men å gi avkall på den tradisjonelle moteuke-kalenderen helt. Denne snikende desentraliseringen, både fysisk og tidsmessig, har bidratt til at arrangementets relevans har avtatt.
Hvorfor moteuken ikke er så viktig som den pleide å være
Det er ikke det at arrangørene og deltakerne av moteuken ikke har prøvd hardt å holde den i live: Til side for prispoeng er high fashion like demokratisert som det noen gang har vært. Alle med internettilgang kan nå se nesten alle store rullebaneshow i verden i sanntid, og når designere svir, er de tvunget til å lytte til vanlige menneskers meninger via sosiale medier . Rasemangfold blant modeller er fortsatt ikke stor, men har i stor grad blitt bedre bare de siste tre årene. Det er ikke lenger et sjokk å se for eksempel en kvinne i størrelse 10 går ned en rullebane , og det er heller ikke uvanlig at en designer lager en progressiv politisk uttalelse med hans eller hennes samling . Men ingenting av dette har vært nok.
Moteuken er i ferd med å dø fordi den har null relevans for måten moderne shoppere kjøper ting på.
Den tradisjonelle motekalenderen, der en samling av høstplagg presenteres i februar og vårklær vises i september, kommer faktisk fra kong Ludvig XIV. På 1600-tallet var han etablerte Frankrike som sentrum for luksustekstilindustrien ved å innføre en sesongbasert tidsplan der nye tekstiler vil bli utgitt to ganger i året, som et middel til å oppmuntre folk til å kjøpe mer av dem. Fra begynnelsen var det rett og slett god markedsføring — folk kjøpte de nyeste tekstilene fordi de var nye, ikke fordi de faktisk var nødvendige.
Og tilbake da moteshow var mer som messer, hvor nye kolleksjoner ble presentert for et lite antall redaktører og kjøpere som deretter skulle rapportere om kommende trender for lesere eller bestille plagg til butikker, tjente dette systemet fortsatt sin hensikt. Men nå som bilder kan spres over hele verden på et øyeblikk og handlingen med å kjøpe en kjole kan reduseres til omtrent tre trykk på en telefon, føles de seks månedene mellom når et antrekk går nedover en rullebane og når en person faktisk kan kjøpe det, latterlig arkaisk . Motetrender blusser nå opp med lynets hastighet og flammer ut like raskt takket være overmetning av bilder, slik at etter den halve års ventetid kan en estetikk føles utspilt.
Det ble gjort mye ut av det faktum at store designere som Burberry, Tom Ford og Tommy Hilfiger i 2016 tok i bruk en se nå, kjøp nå strategi , der rullebanesamlingene deres var tilgjengelige for kjøp umiddelbart. Men for de fleste klesmerker på massemarkedet er det bare business as usual. De største hurtigmotemerkene som Asos, for eksempel, kan snu hele samlinger i løpet av noen uker .
Et annet problem med den tradisjonelle motekalenderen er hvordan den tvinger designere til å legge ut fire eller flere hele kolleksjoner i året, tapping av designere av kreativitet og skaper en enorm økonomisk byrde for merkevarer. (I tillegg til vår- og høstkolleksjoner, er det sesonger i mellom som feriested og før høst, som noen ganger også involverer rullebaneshow eller livepresentasjoner.)
Gå inn i dråpekulturen. Bedrifter har funnet suksess ved å skape knapphet, bygge buzz og droppe begrensede samlinger eller individuelle gjenstander når de vil i stedet for å gi ut samlinger på en vanlig tidsplan. Den mest kjente av dem er Supreme , streetwear-merket som, selv etter 25 år, fortsatt tiltrekker seg linjer som spenner over hele byblokker hver torsdag morgen. Den trenger ikke tilstedeværelse på moteuken å gjøre det.
I tillegg er det langt ferskere og rimeligere måter å markedsføre et motemerke på som ikke involverer rullebaner. Det er eksempler på høypryd (som merket Åpningsseremoniens forhold til New York City Ballet ) og sære (som designer Rachel Antonoff som snur en motepresentasjon til en vitenskapsmesse på skolen ). Og så er det presentasjoner som bare eksisterer på nettet, som Misha Nonoos Insta-Show , der det eneste opptoget var det som fant sted på Instagram — det eneste mediet der folk flest har tilgang til et moteshow i utgangspunktet.
Samtidig har trekningen av å dekke moteuken for magasiner og nettsider avtatt. Ettersom moteuken og de skarpe syklusene innen høymote generelt har mindre relevans for forbrukernes handlevaner, er det ikke overraskende at leserne er ikke like interessert i å høre om dem .
Folk er ikke sikre på om moteuken i det hele tatt er verdt å spare
Alt dette reiser spørsmålet: Hvem er moteuken for? Designere dropper det, ingen ser ut til å klikke på dekning, og ofte føles hendelsene som lite mer enn øvelser i Instagram-influenser.
Jada, for mindre og kommende merker er moteuken fortsatt en bannerbegivenhet som kan gi markedsføringsmuligheter. Men for det meste ser ikke moteuken ut til å lykkes i sin primære funksjon: å få folk begeistret for å kjøpe ting.
En del av dette kan være fordi vi ikke bryr oss om klær lenger. En Bloomberg-innslag i fjor kalte Klærs død fremhevet alle grunnene til at amerikanere bruker mindre av inntektene sine på garderobene sine, fra tilfeldig tilpasning av arbeidsantrekk til utflating av innflytelse ovenfra og ned (det kommer ikke bare fra motehus lenger).
Merker som har blitt holdt frem som innovatører i bransjen, som Nasty Gal, sliter nå. Ingen av dem har høyprofilerte rullebaneshow, men de fungerer som eksempler på en mulig nedgang i vår interesse for mote og, mer generelt, vår interesse for å eie ting kontra vårt ønske om opplevelser. Hvem trenger mote i disse dager når du kan uttrykke deg gjennom sosiale medier? Bloomberg-stykket begynner. Hvorfor kjøpe den dyre nye kjolen når du i stedet kunne finansiere en helgetur? Hvorfor egentlig?
New York Fashion Week er for tiden et sted som den alltid gjør, tidlig i februar. Denne gangen er det imidlertid lagt til flere paneldiskusjoner og filmvisninger , og utvider suksessen til lignende tidligere arrangementer fra i fjor høst. Kanskje å gjøre moteuken mer relevant betyr å gjøre den mer som en konferanse – tilgjengelig for flere mennesker og med en takeaway utover bare å kjøpe noe. Deltakere kan nå også kjøpe billetter til show, som tradisjonelt har vært gratis og kun for invitasjoner, gjennom pakketilbud kalt NYFW: The Experience .
På de fleste måter ser imidlertid denne februars moteuke i New York ut som den har gjort de siste årene: det vil si med færre og færre som tar hensyn.
